Disseny vectorial amb software lliure

El Disseny Vectorial és fonamental en projectes de Disseny Gràfic i Comunicació Visual. Una de les virtuts dels gràfics vectorials és que pots ampliar-los sense sofrir pèrdua de qualitat, no es deformen ni es pixelen. Una altra virtut seria la seva adaptació a diversos mètodes d’impressió i les facilitats que dona a l’hora de crear.

En el curs veurem que sense necessitat de coneixements previs i manejant eines bàsiques es poden crear peces gràfiques de qualitat i principalment funcionals.

Des de la utilització de formes elementals, colors i tipografies experimentarem el procés de creació de dibuixos, logos i altres. Arribant a la composició de peces finals com a cartells, samarretes, calendaris i aprenent el necessari per utilitzar el disseny vectorial com una efectiva eina de comunicació, tant per al món web com a imprès.

Treballarem amb el programa de software lliure InkScape, que té l’avantatge de ser gratuït, és la millor alternativa a Il·lustrator (un programa molt costós), podràs aconseguir-ho fàcilment i t’explicaré com es realitza la seva instal·lació.

Data d’inici 13 de maig (5 sessions/ consecutives)
Dimecres de 17.30 a 20.30 h
Preu: 55 €

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INICIACIÓ A L’ART CONTEMPORANI

Curs on es fa un recorregut teòric de les últimes propostes artístiques a partir d’ analitzar la seva relació amb al públic. A més, coneixeràs de més aprop els espais on es presenten aquest tipus de projectes i quin paper té l’espectador en aquests escenaris.

Dia 1: Propostes artístiques i la seva relació amb al públic. Des de la mirada d’un artista. A càrrec de l’artista conceptual Jordi Ribas.

Jordi Ribas. Llicenciat en Història de l’Art per la Universitat de Barcelona (1992-1997). Ha col·laborat en diferents projectes educatius al voltant de l’art contemporani per a l’associació Experimentem amb l’ART, l’Es Baluard de Palma, el Laboratori de les Arts de la Fundació “la Caixa” i la Diputació de Barcelona. Ha estat coordinador del Programa d’arts visuals del Centre cívic Can Felipa (2006 / 2011) i responsable de comunicació i mediació del CA Tarragona Centre d’Art (2011-2013). A més, desenvolupa la seva activitat com artista conceptual.

Dia 2: Propostes artístiques i la seva relació amb al públic. Propostes que les podem trobar en espais consolidats del circuït de l’art (galeries i museus). A càrrec de la crítica d’art i comissària d’exposicions Montse Badia.

Montse Badia. Ha col·laborat en diverses publicacions especialitzades com Transversal, arts.zin, Untitled (Londres), Nu: The Nordic Art Review (Estocolm), Tema Celeste (Milà), ARC i Bonart. Ha comissariat exposicions a De Appel Foundation (Amsterdam), Apex Art (Nova York), Künstlerhaus Bethanien (Berlín), Fundació Joan Miró, MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona) i Fundació «la Caixa» (Barcelona). Comissària associada a l’Espai 13 de la Fundació Miró i al Centre d’Art Santa Mònica, actualment és co-directora d’A * Desk.

Dia 3: Propostes artístiques i la seva relació amb al públic. Propostes que les podem trobar ens espais d’art emergents. A càrrec del crític d’art i comissari Oriol Fontdevila

Oriol Fontdevila. Crític d’art i comissari d’exposicions. Forma part de l’equip gestor de la Sala d’Art Jove de la Generalitat de Catalunya des de l’any 2006, on ha coordinat programes de producció i formació d’artistes emergents. Ha comissariat projectes com Prototips en codi obert, a la Fundació Antoni Tàpies; Arqueologia preventiva a l’Espai 13 de la Fundació Joan Miró de Barcelona;[ De com convertir un museu en arena, al Museu Joan Abelló de Mollet del Vallès; entre altres. Ha estat responsable del programa d’estudis d’A*DESL en les edicions de 2012-2013 i 2013-2014. El seu treball amb l’equip de Sala d’Art Jove ha estat reconegut amb el Premi d’Arts Visuals Ciutat de Barcelona, 2011, i amb el Premi de l’Associació Catalana de Crítics d’Art, 2009.

Data d’inici 20 d’abril (3 sessions/ consecutives)
Dilluns de 19.30 a 20.30h (encara que es pot allargar una mica més la sessió)
Preu: 30 € i 25 € (socis/alumnes Escola)

Continuamos con nuestro particular análisis anatómico…

Comenzamos a trabajar en clase la anatomía humana. Complementando todo esto junto con el dibujo de modelo, que llevamos a cabo los miércoles, durante un par de sesiones nos centraremos en la observación del torso y sus peculiaridades.

Otro concepto fundamental en el dibujo es el de la perspectiva. Para ello, durante varias sesiones,  hemos repasado los más destacados modos de representación del espacio en la historia del dibujo y la pintura y hemos trabajado sobre algunas composiciones realizadas en clase a partir de objetos cotidianos.

Este es otro ejercicio que incide en esa re-educación de nuestra percepción que andamos buscando.

Para ello tomamos de nuevo un referente real como es el propio caballete. En un primer momento abordamos el dibujo sin ningún tipo de orientación específica (dibujo 1). A continuación (dibujos 2 y 3) afrontamos el dibujo con la finalidad de dibujar, no ya el caballete sino los huecos vacíos que genera su propia forma. Ese no-espacio o espacio «vacío» nos es tan útil a la hora de dibujar como el propio objeto en sí (el objeto-forma, el objeto en positivo).
Por otra parte suele ofrecernos formas mucho más sencillas de dibujar que la imagen en positivo.

Nuevamente volvemos a pensar en formas puras, proporción, relación, … y dejamos de lado otros conceptos que nos estorban y que resultan irrelevantes a la hora de dibujar del natural (madera, anclaje, bastidor,…)

Los dibujos que se muestran son los trabajos realizados en clase por Albert y Miguel Ángel.

Como contaba en la anterior entrada, en ocasiones, hacemos un uso inconsciente de toda una serie de imágenes arquetípicas con las que reemplazamos aquellas que responden a lo que verdaderamente observamos. Pues bien, este ejercicio persigue precisamente bloquear el uso de esa especie de archivo mental al que todos nos acomodamos en un momento u otro. En cierta forma esto es porque la vida real no nos exige más que eso. Sin embargo el dibujo exige algo más de nosotros.

La primera imagen corresponde a un dibujo realizado por Picasso al músico y compositos Stravinsky. Al tratarse de un dibujo netamente de línea servirá perfectamente para nuestros fines. Lo que se plantea a los alumnos es que lleven a cabo dos copias de dicho dibujo (teniendo una copia como referente al lado). En la primera la copia será la, podríamos decir, habitual. Sin embargo en la segunda habrán de realizar el dibujo invertido. Esto supone voltear el referente (hasta ver al pobre Stravinsky cabeza abajo) y, entonces, realizar la copia de aquello que ven.

El dibujo no cambia. Es exactamente el mismo. Sin embargo su percepción sí. Lo que antes eran claramente manos ahora se convierten en una maraña de líneas que no identificamos con dedos. Lo mismo sucede con los pliegues de la chaqueta, el pañuelo, el pelo, … Hemos dejado de ver rasgos concretos, para los que tenemos un bonito arquetipo esperando ser representado, para ver únicamente formas, líneas, ángulos, inclinaciones, longitudes, … Ése es el verdadero cambio que buscábamos. ¡Conseguido!

Las imágenes 2 y 3 corresponden al ejercicio de Miguel Ángel (a la izquierda podemos ver el original de Picasso) siendo el 2 la copia normal y 3 el dibujo invertido (que aquí he corregido para poder apreciar mejor el resultado).
Invariablemente asistimos al misterioso fenómeno de que obtenemos una mayor fidelidad respecto del original en el segundo caso. Misterioso…o quizá ya no tanto…

Curs que dona eines teòriques i pràctiques per facilitar la comprensió de les propostes artístiques actuals que sovint veiem als museus o centres d’art contemporanis.
A partir de contextualitzar els processos creatius i de facilitar als assistents estratègies per aproximar-se a les exposicions vigents.

Divendres 14,21,28 de febrer de 19 a 20.30

Preu: 15 € o 10 € (alumnat ja matriculat a l’escola d’art)

14 de febrer  De l’objecte a la desmaterialització de l’obra d’ art

A mitjans de la dècada dels seixanta, i com a conseqüència lògica de les propostes minimalistes que s’havien anat implantant en el context artístic nord- americà, sorgí el moviment conceptual, que bàsicament reclamava la
desmaterialització de l’obra d’art. En aquesta sessió teòrica es presentaran artistes com Sol Lewitt i Joseph Kosuth, entre d’altres, els quals sostenien el predomini de la idea artística, més enllà de la seva possible realització i
entenien el procés de creació com un fet tant important o més que la mateixa obra finalitzada.

21 de febrer La construcció de la identitat a l’Art Actual

En l’àmbit dels estudis culturals, la categoria identitat ha estat proposada i desenvolupada des de multiplicitat de perspectives disciplinàries i ha suposat, en definitiva, un àmbit de recerca summament complex. Per això, en aquesta
sessió, no es pretén abarcar la totalitat del problema, sinó plantejar certes qüestions entorn diversos conceptes (identitat, subjectivitat, alteritat, representació, simulació, virtualitat, fragmentació, etc) que requereixen una articulació coherent per al seu estudi en profunditat i per reflexionar críticament sobre el canvi paradigmàtic que  es viu a l’actualitat.

 28 de febrer El paper del visitant com a públic participant

Iniciant els segle XXI, els artistes promouen una nova relació amb l’espectador, fusionant l’espai real de la quotidianitat amb l’artístic. En aquesta sessió, es visualitzaran exemples de com les pràctiques artístiques han esdevingut catalitzadors de les experiències viscudes pel públic participant.

Os presento la primera propuesta que suelo hacer a los alumnos el primer día de clase. Es una primera toma de contacto que nos sirve para ejemplificar algunos de los objetivos que ya indicamos en la primera entrada del blog.
En este caso se trata de hacer consciente la diferencia entre dibujar «lo que vemos» y dibujar «lo que sabemos o conocemos».

Concretamente consiste en llevar a cabo: (1.) un autorretrato a partir de la propia imagen reflejada en un espejo y (2.) el retrato de una persona que no esté presente en ese momento, es decir, de memoria. A continuación podeis
observar los resultados de tres alumnos. Los tres son ejemplos del dibujo (1.)

Aparte de la calidad de los dibujos en sí mismos, nos interesa observar en este caso concreto el uso repetido de ciertos recursos de manera común a la hora de representar partes concretas de la anatomía humana. El ejemplo
más claro quizá resida en la manera en que todos ellos interpretan sus ojos. A pesar de ligeros matices y de las diferencias propias de cada uno han recurrido sin embargo a una forma arquetípica de representación para el contorno del ojo como forma «almendrada». Si os fijáis con atención observareis que los tres han empleado exactamente la misma forma. Sin embargo, no es casual.

Esto hace referencia a nuestro personal «archivo de imágenes mentales». Generalmente se trata de simplificaciones geométricas o imágenes arquetípicas de las que hacemos uso de forma inconsciente al dibujar dejando de lado la verdadera observación que sería deseable y necesaria. El uso de este tipo de recursos sería entendible en el caso del dibujo hecho «de memoria» pero los alumnos no dejan de sorprenderse al darse cuenta de que este sistema lo aplicamos incluso cuando el referente es real y está presente.

Una parte fundamental del curso irá enfocada a la re-educación de nuestra forma de ver en relación a una actividad tan concreta como es el dibujo.

Nuestro primer objetivo será el de poner de manifiesto las trampas que nuestro propio cerebro nos plantea cuando nos aproximamos por primera vez a esta disciplina y hasta qué punto ello condiciona nuestra propia visión y capacidad.
Para ello nos basaremos en el trabajo de pedagogos del dibujo como Betty Edwards, quien nos advierte de la doble gestión de la información visual que recibimos por parte del cerebro, basándose en la división del mismo en dos
hemisferios, izquierdo (I) y derecho (D).

Ahondando un poco en esta teoría conseguiremos ser conscientes de dos cosas:

La primera será acabar con el mito del artista-genio y abogar por el dibujo como una disciplina que puede aprenderse y desarrollarse sin necesidad de ser poseedor de un don mayor que el del propio esfuerzo y dedicación.

La segunda guardará relación con la diferencia entre “dibujar aquello que sabemos” en lugar de “dibujar aquello que vemos”. Mediante la práctica de algunos ejercicios concretos, trataremos de ver hasta qué punto en muchas de nuestras representaciones se abren paso toda una serie de imágenes y símbolos heredados de nuestra propia infancia y que operan en detrimento de nuestros propios intereses. Incluso, en ocasiones, de forma totalmente inconsciente.